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Información acerca de la Producción
Tras enfrentarse a un malvado dragón, rescatar a una bella princesa y salvar el reino de sus suegros, ¿qué le queda por hacer a un ogro? Bueno, si eres Shrek (MIKE MYERS), de repente te conviertes en un dócil padre de familia. En lugar de aterrorizar aldeanos como solía hacer, un desganado Shrek es ahora un famoso local que accede a firmar autógrafos a regañadientes en instrumentos de labranza. ¿Qué fue del rugido de ese ogro? Añorando los tiempos en que sentía un ogro “de verdad”, a Shrek le embaucan para que firme un pacto con el persuasivo negociante Rumpelstiltskin (WALT DOHRN). Shrek se encuentra de repente en una versión alterada y retorcida de Muy Muy Lejano en donde los ogros son perseguidos, Rumpelstiltskin es el rey y Shrek y Fiona (CAMERON DIAZ) nunca se conocieron. Ahora le toca a Shrek enmendar todo lo que ha hecho con la esperanza de salvar a sus amigos, restablecer su mundo y recuperar a su único y Verdadero Amor.
De regreso para esta aventura están Asno (EDDIE MURPHY) y Gato con Botas (ANTONIO BANDERAS), así como unas cuantas caras nuevas (y ogros), y un astuto villano: Rumpelstiltskin (WALT DOHRN).
DreamWorks Animation SKG Presenta “Shrek Felices Para Siempre,” un estreno de Paramount Pictures protagonizado por las voces de Mike Myers, Eddie Murphy, Cameron Diaz, Antonio Banderas, Julie Andrews, John Cleese, Walt Dohrn, Jon Hamm, Jane Lynch y Craig Robinson. La película está dirigida por Mike Mitchell. El guión es de Josh Klausner y Darren Lemke. Los productores son Gina Shay y Teresa Cheng. Los productores ejecutivos son Aron Warner, Andrew Adamson y John H. Williams. “Shrek felices para siempre” ha sido calificada para menores con reparos (PG) por la MPAA por algo de acción ligera, algo de humor grosero y cierto lenguaje atrevido.
ÉRASE UNA VEZ…
Actualmente, el cuento clásico de hadas reestructurado de Shrek, Fiona, Asno y Gato con Botas y sus aventuras en el reino mágico de Muy Muy Lejano es famoso en todo el mundo. Basadas en el popular libro infantil Shrek!, de William Steig, las películas han obtenido grandes elogios de la crítica, un enorme éxito mundial de taquilla y el primer Óscar otorgado a una película de animación. Baste con decir que Shrek y los personajes de Muy Muy Lejano se han ganado el puesto que se merecían en la historia del cine y la animación.
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Con gran parte del ámbito de los cuentos de hadas ya cubierto, los realizadores de DreamWorks Animation se enfrentaban a un emocionante desafío creativo en el capítulo final de la trayectoria de Shrek y Fiona.El director Mike Mitchell, veterano tanto de las películas de acción real como de anteriores películas de DreamWorks Animation, se pregunta: “¿Cómo podíamos ofrecer a los espectadores lo que conocen y les gusta, pero dándole al mismo tiempo un enfoque nuevo, haciéndolo más bonito?” Una difícil tarea para cualquier director, continúa Mitchell: “Habíamos aceptado el agridulce desafío de poner punto final a la historia de Shrek. Sabíamos que los fans querían ver cómo acababa”.
Junto a Mitchell en la producción estaban las consumadas productoras Teresa Cheng y Gina Shay, las cuales aportaban una gran cantidad de experiencia en animación a la película: Shay, cuyos títulos de crédito como productora incluyen “Bob Esponja: La Película”, entre otras, y Cheng, con más de 20 años de experiencia en animación y producción de efectos visuales (últimamente como productora del especial navideño “Las Navidades con Shrek”).
“Mike, Gina y Teresa forman un gran equipo,” elogia el productor ejecutivo Aron Warner (y productor de las tres primeras películas). “Inspiraron un gran sentimiento de confianza, no sólo a mí, sino a todo el reparto y el equipo”.
Mitchell, Cheng y Shay se pusieron manos a la obra para reunir a un experto equipo de artistas del desarrollo visual y los guiones gráficos, de animadores de personajes, de diseñadores de producción y artísticos, de modeladores de personajes y de equipos de marionetistas, de artistas de la composición, de equipos de iluminadores y equipos de efectos visuales, entre los que se encuentran: Walt Dohrn (responsable del guión), Patrick Mate (diseñador de personajes), Peter Zaslav (diseñador de producción), Max Boas (director artístico), Doug Cooper (supervisor de efectos visuales), Alex Ongaro (responsable de efectos), Youg Duk Jhun (encargado de composición y pre-visualización), Jason Reisig (encargado de la animación de personajes), Olivier Finkelde (encargado de los efectos de personajes), Jeffrey “JJ” Jay (supervisor TD de personajes), Justin Brandstater (supervisor de fondos pintados), Josh West (supervisor de modelado), Lisa Slates Connors (supervisora de revestimientos), Allen Stetson (supervisor de muchedumbres), Valerie Lettera-Spletzer (supervisora de FLO), Nick Fletcher, A.C.E., (montaje), Ethan Van Der Ryn (supervisor de montaje de sonido), Anthony Gray, John Hill, Marcek Kochout y Jason Ryan (supervisores de la animación), y Greg Lev, Betsy Nofsinger, Marc J. Scott y Pablo Valle (supervisores de iluminación). Como encargado de los efectos en 3D, los realizadores recurrieron nada menos que a Phil ‘Capitán 3D’ McNally. El resultado fue un equipo que reunía a diversos creativos nuevos en el mundo de Shrek junto a otros muchos que ya tenían experiencia en las tres películas anteriores. Todos eran fans de Shrek, así que había un montón de entusiasmo y sinergia naturales animando el proyecto ya desde el principio.
“Hay muchísimo cariño hacia Shrek en este equipo”, afirma Shay. “Todos somos fans confesos de Shrek y todo el mundo puso tanta pasión sobre la mesa que el resultado fue un entorno sumamente creativo y de colaboración”.
Cuando llegó el momento de desarrollar la historia de “Shrek felices para siempre”, los realizadores decidieron centrar realmente la película en Shrek, para ver cómo está y qué tal le van las cosas al antaño temido ogro.
Aunque el ogro verde es el núcleo de todas las historias, algunos dirían que el personaje se había domesticado un poco después de tres películas. Siendo actualmente padre de tres niños, Shrek tiene responsabilidades, deberes y obligaciones. Ya no es el amenazador gigante que conocimos al principio de la primera película, que hacía que la gente de Muy Muy Lejano saliera corriendo en dirección opuesta. Ahora, le tratan como a una celebridad local, con los aldeanos tratándole con reverencia, quitándose el sombrero ante el y saludando cordialmente cada vez que ven en la calle al respetable Shrek.
Como sucede con la mayoría de las historias que tienen una continuación, cada aventura y cada capítulo proporciona nuevas experiencias y oportunidades para que un personaje crezca y se desarrolle. En el caso de Shrek, el siguiente paso lógico parecía ser una crisis de valores de la madurez. “Sabíamos que teníamos que mantener fresca la historia, pero dándole un giro nuevo”, explica Cheng. “Nos preguntamos: ‘¿Qué más puede aprender Shrek en su trayectoria como ogro?’”
Al principio del desarrollo del proyecto, a los artistas se les ocurrió una imagen de Shrek contemplándose en un espejo y mirando su cartel de ‘Se Busca’, y pensando: “¿En qué me he convertido?” Para los realizadores, aquello resultó ser una encrucijada importante en el desarrollo del argumento de la película. “Pensamos que era interesante el hecho de que ya no es el ogro que era en la primera película de Shrek. Se ha vuelto manso, ya no asusta, le aprecian todos los aldeanos”, dice Mitchell. “Lo último que queríamos era que Shrek perdiese su gancho”.
A medida que Mitchell iba dando cuerpo con el equipo a los vaivenes de la historia, las posibilidades parecían infinitas. El ignoto potencial de explorar el mundo de Muy Muy Lejano parecía no tener límites. Pero fue al escritor Josh Klausner (“Noche loca”) a quien se le ocurrió la idea de que Shrek retrocediera en el tiempo. ¿Qué pasaría si Shrek pudiera volver atrás? “Aquello se convirtió en el cumplimiento de un deseo muy atractivo”, dice Mitchell. “Todos pensamos en regresar a nuestro pasado, en volver para atrás el reloj, en volver a vivir nuestra vida”.
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Los realizadores empezaron a elaborar un argumento definitivo y a volver a las raíces de Shrek. “Aquello parecía un gigantesco trampolín”, dice la productora Para Walt Dohrn, que ejerce de responsable del argumento en “Shrek felices para siempre”, esa premisa encaja perfectamente con el mundo de Shrek. “En la primera película, Shrek aprende a quererse a sí mismo, en la segunda, aprende lo que significa formar parte de una familia. En ‘Shrek Tercero’, se resigna a aceptar sus responsabilidades como padre y marido. En la cuarta y última película, se enfrenta a una gran pregunta: ¿qué pasaría si su vida hubiera resultado de otra forma?” El productor ejecutivo Aron Warner añade: “Una vez que integramos esas ideas en el argumento, nos dimos cuenta del círculo completo que supone en cuanto a que la continuación de la historia servía como conclusión y final natural a la serie de las películas de Shrek”.
Para Mitchell, era fácil identificarse con el argumento y con los sentimientos de Shrek. Padre de dos niños pequeños, podía simpatizar con “Shrek el padre” teniendo que cambiar la vida de un ogro por la de un chofer de niños con partido de fútbol el sábado por la tarde. “Tengo un niño de dos años y otro de cuatro”, explica Mitchell. “Cuando empecé este proyecto, acababa de nacer mi segundo hijo. Es una experiencia que realmente te cambia la vida, y es muy difícil ser genial cuando se lleva una bolsa de pañales colgada al hombro y un chupete colgando del cuello”.
Con esa dirección en mente, el equipo desarrolló para Shrek una clásica historia de “¿Qué pasaría si…?”. Casado felizmente, con tres hijos y un reino que gobernar, la vida de Shrek se ha vuelto prosaica y muy rutinaria (al menos en su opinión). Sintiendo un poco de nostalgia de su época de ogro soltero, Shrek hace un pacto con el proverbial diablo, que en este caso en concreto no es otro que el embaucador del cuento clásico de hadas, Rumpelstiltskin.
Rumpelstiltskin, el más reciente villano del mundo de Shrek, anda detrás de una cosa: el trono de Muy Muy Lejano. Aprovechándose de la nostalgia de Shrek por su época de ogro, Rumpel le hace a Shrek una oferta que éste no puede rechazar: vivir un día libre de responsabilidades, como un ogro DE VERDAD. A cambio, lo único que Shrek tiene que hacer es darle un día de su pasado. Parece un trato bastante justo: un día a cambio de otro día. Poco imagina Shrek que Rumpel especifica en la letra pequeña de su contrato que el día que él va a tomar es el que cambiará de forma bastante radical tanto la vida de Shrek como la de los habitantes de Muy Muy Lejano. En un gesto de elegante maldad, Rumpel elige el día en que nació Shrek.
“El resultado es absolutamente catastrófico”, dice Mitchell. “Todo lo que el público sabe de Shrek, Fiona y los personajes de los cuentos de hadas se vuelve del revés y se introduce en una realidad alternativa”. Continúa el director: “Y nadie sabe quién es Shrek. Simplemente, le ven tal y cómo es: un ogro grande y terrorífico”.
… AQUÍ ESTÁ TODA LA PANDA…
Es difícil de creer que ya haya pasado una década desde que Mike Myers, Eddie Murphy y Cameron Diaz dieran vida por primera vez a los personajes de Shrek, Asno y la Princesa Fiona. Acompañados por Banderas en “Shrek 2”, el cuarteto ha hecho las delicias de los espectadores durante una década gracias a sus extraordinarios talentos vocales y a su enfoque de sus alter egos en estos personajes.
“Me encanta el mensaje de estas películas”, dice Mike Myers. “Las lecciones que Shrek tiene que aprender y que ha aprendido son unas con las que todos nos podemos identificar. Ser capaz de encarnar un personaje y de transmitir ese proceso es una experiencia asombrosa para mí como actor”.
En el transcurso de las películas, Shrek y Fiona han experimentado enormes cambios y se han enfrentado a numerosos obstáculos mientras se movían por el mundo de Muy Muy Lejano. “Cuando conocí a Fiona, sólo era una joven princesa atrapada en una torre, y la he visto crecer en las cuatro últimas películas”, dice Cameron Diaz
Los realizadores quedaron igualmente impresionados por la forma en que el reparto reaccionó a la dirección de la historia en el capítulo final, y a lo que habían reservado para sus personajes. “Todos asumieron el concepto tan pronto como lo planteamos”, dice la productora Teresa Cheng
“Cuando vinieron con esa historia de una realidad alternativa y de que los personajes no se conocían entre sí, fue casi como si empezara desde el principio, casi como una nueva película”, dice Antonio Banderas. “Pensé que era una idea sencillamente genial, y la reinvención de Gato como una mascota mimada y malcriada está muy inspirada”.
“Llegábamos a la sesión sólo con páginas del guión y le dábamos a los actores la ambientación, y ellos simplemente confiaban en nosotros”, dice el director Mike Mitchell
Cameron Diaz concuerda; “Para Mike, Gina y Teresa, estos personajes son muy importantes. Shrek, Fiona, todos ellos han pasado a formar parte de su historia, y cuando yo llegaba a una sesión de grabación, tenía plena confianza en la historia que estaban contando”.
Con la nueva dirección y el nuevo papel de Fiona, Cameron Diaz tenía una amplia gama de emociones que transmitir, dado que el personaje fue completamente reinventado para la película. “Cameron nos ofreció una interpretación increíblemente estelar y con conexión”, elogia la productora Gina Shay
Las interpretaciones vibraron también con el resto del reparto. Ahora que Shrek y Fiona ya no están juntos y con Shrek metido en una carrera contrarreloj para encontrar el beso del verdadero amor, se subió el listón emocional. “Lo que más me sedujo fue que sigo sintiendo una reacción emocional hacia Shrek y Fiona y aún sigo queriendo verles juntos”, dice Eddie Murphy
… SU NOMBRE ES RUMPELSTILTSKIN…
Con unos villanos tan consolidados como Lord Farquaad, el Príncipe Encantador y el Hada Madrina, los cuales demostraron ser todos unos contrastes extraordinariamente memorables para Shrek y Fiona, el equipo de producción no lo tenía fácil para crear un nuevo antagonista decidido a arruinar la felicidad de Srek y Fiona. “Los malos de las películas de Shrek son simplemente geniales”, dice Walt Dohrn, encargado del argumento. “Nos preguntamos: ‘¿Qué hacer para mantener ese nivel de villanos? ¿Cómo crear un nuevo villano adecuado para el enfrentamiento final con Shrek?’”
La narración de historias es una tradición intemporal que pasa de una generación a otra y de un niño a otro. En 1812, bajo el título de Cuentos de los niños y el hogar, los hermanos Grimm publicaron su primer libro de cuentos de hadas. Entre los cuentos más memorables estaba la historia de Rumpelstiltskin, una fábula que narra a un personaje mágico que visita a la hija de un molinero, encerrada en una torre y obligada a convertir paja en oro con una rueca, o sino se enfrentaría a ser ejecutada por orden del rey. La moraleja de la fábula transmite una historia edificante acerca de las fanfarronadas y las consecuencias de las promesas y los tratos. La historia de Rumpelstiltskin ha resistido casi doscientos años.
En la gran tradición narrativa del pasado, DreamWorks Animation creó con Shrek un cuento de hadas moderno y reestructurado. Parecía una ocurrencia feliz y afortunada que el ogro verde se emparejara con uno de los villanos más memorables de la literatura en “Shrek felices para siempre”.
“Ya sabíamos prácticamente desde el principio que Rumpelstiltskin iba a ser nuestro villano”, dice el productor ejecutivo Aron Warner
Habiendo trabajado en la parte del argumento de anteriores películas de Shrek, el director Mike Mitchell coordinó la labor de trabajar con el equipo y los animadores del guión para dar cuerpo a la dirección creativa que deberían tomar el personaje, el aspecto y el tono de Rumpel. “Mike es un director excelente y los artistas y animadores reaccionan muy bien con él”, afirma la productora Teresa Cheng. “Al ser él mismo un artista, es muy coherente y claro en sus ideas y razonamientos”.
Al desarrollar el aspecto y el estilo de Rumpel, los realizadores quisieron alejarse lo más posible de los villanos anteriores. “Farquaad, Hada Madrina y Encantador son unos personajes muy elocuentes”, dice Dohrn. “Nos fuimos al extremo opuesto de ese espectro, y buscamos un personaje que fuera asqueroso y vil, pero al mismo tiempo encantador”.
Mitchell resume su opinión sobre el tono general y las motivaciones del personaje diciendo simplemente: “¿Sabes ese tipo que gana 200 millones de dólares con el superbote de la lotería y REALMENTE no sabe qué hacer con el dinero? Pues ése es Rumpel”.
Eso era una indicación más que suficiente para el diseñador de personajes Patrick Mate cuando se puso a crear visualmente una versión aumentada de la criatura del cuento de los hermanos Grimm tal y como se materializaría en el universo de Shrek.
“Al principio se le modeló un poco a la manera de esos vendedores que te ofrecen un reloj por la calle”, dice Mate. “Luego nuestros dibujos se metamorfosearon un poco y buscamos una cara más de animal, e incluso una cola de rata”.
Al final, el equipo de diseño de personajes se decidió por un diseño más parecido al humano. Poco después de que se descartaran las ideas de la cara de animal y la cola de rata, a Mate le enseñaron una caricatura del director artístico Max Boas
Al parecer, el pelo de Rumpel también está basado en parte en el pelo de Max Boas. “Rumpel tiene un poco del pelo de Max, un poco como si siempre se acabara de despertar”, bromea Dohrn.
A medida que el aspecto de Rumpel iba tomando cuerpo, también lo iba haciendo la historia, justo cuando los realizadores comenzaron las sesiones de grabación iniciales con los actores.
…¡TACHA ESO, ESTÁS CONTRATADO!...
A medida que avanzaba el aspecto y el diseño de Rumpel, los realizadores sabían que iban a necesitar a un actor igualmente dinámico para insuflarle vida a la voz del personaje. Como encargado del argumento de “Shrek felices para siempre”, recayó en Walt Dohrn la tarea de leer la parte de Rumpel (y de otros personajes) frente a los otros actores durante sus sesiones. Dohrn, con Mitchell dirigiendo, empezó a jugar con las inflexiones vocales y el estilo de la voz de Rumpel, y a medida que el proceso avanzaba, la interpretación de Dohrn empezó a influir también en el desarrollo del personaje en el hilo de la historia.
“La interpretación de Walt realmente le puso su sello a este personaje”, dice Jason Reisig, encargado de la animación de personajes. “Cuando le escuchamos hacer simplemente la prueba de voz temporal [de Rumpel] en nuestras cintas, nos enamoramos del personaje, y fue en gran parte por esa voz y por lo que Walt le aportaba”.
“Walt dio vida al personaje con su interpretación”, recuerda Mitchell . “Y eso era realmente importante, porque el personaje de Rumpel es muy primordial para la trama y la conclusión de la historia de Shrek”, añade el productor ejecutivo Aron Warner
Con el tiempo, Dohrn empezó a jugar con diversas inflexiones para la voz de Rumpel, incluso fuera del estudio de grabación. Como inspiración, se fijó en varias interpretaciones notables, entre ellas el retrato que hizo Sean Penn de Daulton Lee en “El juego del halcón”.
“Nos gustaba su energía y la sensación de que estaba listo para explotar en cualquier momento, mientras al mismo tiempo es divertido, rítmico y rápido en sus réplicas”, observa Dohrn. En el extremo opuesto del espectro de influencias, cita la interpretación clásica de Bette Davis en “¿Qué fue de Baby Jane?”. Dice Dorhn con cara de póquer: “Drama. Rumpel se toma muy en serio a sí mismo”.
Recuerda la productora Gina Shay: “Montábamos los rollos de la historia, y luego los poníamos delante del equipo y los ejecutivos. Cada vez que lo veíamos, nos tronchábamos de risa. Es que nos quedábamos impresionados con su enfoque del personaje. Se volvió totalmente irremplazable”.
Las “frases de Rumpel” en la película favoritas de Dohrn en realidad no son frases en absoluto, sino sonidos y ruidos bastante simples hechos en el transcurso de las sesiones de grabación, lo que los realizadores llaman “esfuerzos”. “Cuando más me gusta es cuando suena como un mono o una cabra y cuando se excita mucho, sólo unas vocecillas, unos pequeños sonidos salen de su boca mientras va a lo suyo”.
Cuando se trata de tomar decisiones de vestuario, decir que Rumpelstiltskin tiene su propio estilo único y personal sería quedarse corto. Antes de apoderarse del reino de Muy Muy Lejano, se decidió que las ropas de Rumpel y su gama de colores deberían estar acordes con su entorno: de tonos un poco apagados, y un tanto monótonos. Pero una vez que Muy Muy Lejano se transforma, también lo hace él. Adiós a los trajes grises y bienvenidos los trajes blancos recamados con estridentes dorados y toques de rojo sangre. “Tiene todas las riquezas, pero nada de gusto”, dice el director Mike Mitchell
Una mezcla entre el Mago del Juego del Millón y María Antonieta, Rumpelstiltskin se engalana para cualquier reunión, fiesta y ocasión. Su guardarropas incluye unas pelucas intercambiables diseñadas para estar acordes no sólo con la situación, sino también con su humor y su temperamento. “Hay una peluca de trabajo, una peluca de victoria y su característica peluca de enfado”, dice la productora Gina Shay
El resultado final (el aspecto, el diseño y la voz) de Rumpel obtuvo también grandes elogios de todo el reparto. “Tuve el gran placer de trabajar con Walt”, recuerda Diaz. “Hacía todas las voces cuando yo grababa y era sencillamente fantástico. Es un gran actor y me ha dado mucho en cuanto a interpretación en las lecturas para nuestras grabaciones”.
“Rumpel es un villano maravilloso”, observa el supervisor de efectos especiales Doug Cooper
…REALMENTE MUY MUY LEJANO…
Se podría pensar que el término “realidad alternativa” significaría que el equipo tendría carta blanca en lo relativo a la estética y el diseño de la película, casi como si se empezara desde cero, pero no fue ése exactamente el caso. “Fue un auténtico reto cuando nos pusimos a definir la estética de la película”, dice Mitchell . “Queríamos darle una estética diferente a esta película y, al mismo tiempo, ser fieles al mundo de Shrek”. La productora Teresa Cheng añade: “Sabíamos que todo el mundo sentiría curiosidad por ver el entorno familiar y reconocible de Muy Muy Lejano transformado en un universo alternativo”.
Mitchell, Cheng y Shay se inspiraron en la estética que el director artístico Peter Zaslav creó para el especial navideño La Navidad con Shrek, en donde había colaborado con Cheng, y recurrieron a Zaslav y al director artístico Max Boas para que les aconsejasen. La Navidad con Shrek “fue la primera vez que vi la casa de Shrek y Fiona cubierta por la nieve”, explica Mitchell. “Era algo familiar, y aún así, muy extraordinario. Supe que seríamos capaces de elaborar la realidad alternativa desde una perspectiva de diseño”.
Como plantilla visual, Zaslav y Boas comenzaron con la forma familiar del lenguaje de la gama de colores establecida en las tres primeras películas. “Básicamente, la película comienza como una continuación visual de las películas anteriores de Shrek”, explica Zaslav. Los artistas incluso aumentaron un poco la intensidad de los colores para subrayar el contraste dramático con cuando Shrek se encuentra en la realidad alternativa. “Es incluso aún más brillante, alegre y colorista que ‘Shrek 2’ y ‘Shrek Tercero’, es decir, hasta que Shrek firma su pacto con Rumpelstiltskin y le echamos un vistazo al Muy Muy Lejano gobernado por Rumpel”.
Tan pronto como Shrek se encuentra atrapado en la nueva realidad de Muy Muy Lejano, la estética, el color y el tono de la película cambian drásticamente. Antaño un paisaje verde y exuberante, Muy Muy Lejano se ha convertido en una tierra baldía y más bien desolada, pelada y sombría, dominada por dorados, verdes y grises, inspirados en parte en los colores del contrato que Shrek firma con Rumpel, sobre todo en la tinta dorada.
El oro, tal y como cabría esperar de un cuento con un personaje que una vez le prometió a la hija de un molinero que podría hilar heno y convertirlo en un flujo constante de hilo de 24 quilates, se convirtió en un referente importante para el diseño de la realidad alternativa, gobernada por Rumpel. “El oro se ha convertido en un tema visual dominante asociado con Rumpelstiltskin, y eso se propaga realmente a todo el entorno”, dice Zaslav. “Nos habíamos acostumbrado al mundo de Shrek, con todos esos verdes árboles, y la hierba verde y exuberante. En la realidad alternativa, todos los verdes dan paso a tonos más amarillos y dorados”.
Pero este oro no reluce. Es el dorado de las hojas caídas y la época de la cosecha, el dorado del otoño, cuando las cosas empiezan a decaer, en lugar del verde primaveral del crecimiento que anima de forma característica la paleta de colores de Shrek. Esa diferencia visual creaba un montón de oportunidades para la creatividad de los realizadores. “Fue muy divertido poner el mundo del revés y jugar con los contrastes entre la realidad normal y el ver a Shrek abrirse camino a través de ese mundo surrealista con remolinos y árboles pelados”, dice Boas.
La lobreguez del paisaje también refuerza la desolación inicial de la historia. Encajar eso con el tono general optimista de la saga de Shrek era dificultoso. “El mundo va a ser un poco más oscuro, y gran parte de la película transcurre por la noche”, explica Cheng. “Uno de nuestros mayores desafíos consistía en hacer que la historia se desarrollase en veinticuatro horas, [para así] seguir teniendo esa sensación de ‘cronómetro en marcha’, pero sin vivir en la oscuridad durante demasiado tiempo en la película”.
A medida que los personajes, los colores y los paisajes comienzan a actuar en contra de Shrek, creando la sensación de estar atrapado, un rayo de esperanza sigue brillando para el atribulado ogro. Una vez que se ha vuelto a hacer amigo de Asno, él y su leal compañero encuentran una cláusula en el contrato de Rumpel que le proporciona a Shrek un margen de veinticuatro horas para enmendar las cosas.
Para hacer contraste con los tonos oscuros de la película, los realizadores crearon para la película diversas localizaciones, entornos y personajes nuevos que animarían las cosas, y ofrecerían algunas nuevas oportunidades para el humor en medio de este mundo cambiado. Eso condujo a un enfoque absurdo y decadente de Rumpelstiltskin y su ejército de brujas, así como a su opulento y ostentoso palacio.
Pero no fueron sólo las localizaciones las que experimentaron un notable remozado. Todo, desde los personajes de la película hasta la forma en que se proyectará la propia película, fue alterado.
Ante la mera mención de una “batalla”, uno instantáneamente imagina una secuencia impresionante, y “Shrek felices para siempre” promete cumplir en ese apartado. Primera de las películas de Shrek en ser rodada en visión estereoscópica en 3D, el equipo de efectos visuales, dirigido por Doug Cooper, tenía un trabajo hecho a su medida. “El 3D es un socio paritario en todo lo que hacemos. No lo consideramos un añadido”, dice Cooper. “Hemos meditado mucho la puesta en escena de nuestros planos, diseñándolos para sacar el máximo partido del estéreo”.
Para el departamento artístico, eso implicaba concebir el mundo de Shrek desde una perspectiva en 3D. “El hecho de estar haciendo esta película en 3D ha complementado nuestro esfuerzo por expandir ese universo”, dice el director artístico Peter Zaslav. “Construíamos literalmente los platós en tres dimensiones, algo que nunca habíamos hecho”. En definitiva, la técnica sirve a la historia y la historia es la reina. Los realizadores estaban decididos a permanecer fieles a su idea de contar una historia emocionalmente convincente. “Si hemos hecho bien nuestro trabajo, vais a creer en este mundo porque está muy bien diseñado, ejecutado y dirigido artísticamente”, dice la productora Teresa Cheng
Pero los realizadores no querían sacrificar el argumento y la interpretación en aras del espectáculo en 3D. Al plantearse las escenas más cargadas de emoción del guión, en las que el estado mental de los personajes tenía que ser ilustrado claramente, el encargado del argumento de la película Walt Dohrn y el director Mike Mitchell solicitaron a los dibujantes que comenzaran por obviar la parte más logística y “accesoria” de la producción de un largometraje gigante en 3D y animado por ordenador, y se concentraran principalmente en la expresión básica, cruda y mínima de la interpretación de los personajes. “Mínimo no queriendo decir simple”, explica Dohrn, “sino mínimo en el sentido de que hay una inmediatez sentida y pura en la línea delicadamente dibujada a mano por el artista, que es la que mejor representa el núcleo de las emociones de un personaje”.
Hasta el cambio de posición más sutil de la ceja de un personaje puede hacer que un personaje pase de expresar frustración a transmitir arrepentimiento. “Siempre había un subtexto en cada escena, sobre todo con un personaje como Shrek, al que le resulta difícil expresar sus sentimientos”, dice Dohrn. “En una escena en la que parece expresar una rabia frustrada, sabíamos que en el fondo estaba luchando con temas de autoestima. Eso contribuía a dictar una interpretación más conmovedora y matizada en nuestras viñetas, y en definitiva, en la película final”.
…REINVENTANDO A LOS HABITANTES DE MUY MUY LEJANO…
Desde el momento en el que firma su pacto con Rumpel, Shrek se siente más como un ogro fuera de su pantano que como un pez fuera del agua. Con su realidad hecha añicos, es lanzado a una realidad alternativa que, al principio, parece ser la misma. El entorno tiene el aspecto y da la sensación de ser familiar. Al principio Shrek piensa que es estupendo, pero pronto descubre que ha sido engañado.
El momento definitivo de lucidez llega cuando es atacado por las secuaces de Rumpel, las brujas. Armadas con calabazas que son bombas lacrimógenas, capturan a Shrek y se lo llevan en una carreta a un encuentro cara a cara con Rumpel. Afortunadamente, Shrek ve un rayo de esperanza al reconocer a su locuaz amigo Asno tirando de la carreta donde le llevan. Este Asno, sin embargo, va muy mal vestido y necesita desesperadamente una visita a la peluquería.
Tomar a personajes muy conocidos y entrañables y ponerles en un conjunto de circunstancias nuevas puede resultar una tarea difícil e imponente para cualquier cineasta. Comenta el director Mitchell: “Eso es lo que hacía que fuera emocionante trabajar en ello”. La productora Shay añade: “Aunque fuera arriesgado, Mike, Teresa y yo queríamos desarraigar completamente a nuestros queridos habitantes de Muy Muy lejano y situarles en un universo radicalmente alterado”.
Dado que los personajes del mundo de Shrek son algunos de los personajes más ricos y meditados jamás desarrollados, tienen que pasar la prueba de fuego, lo que quiere decir que la esencia del personaje, su “voz” y su personalidad, suenen sinceros en una situación o trama argumental completamente distinta y nueva.
Aunque eso estaba en la mente de todo el equipo, nadie lo sabía mejor que el productor ejecutivo Aron Warner, que fue el encargado de producir las tres entregas anteriores. “El verdadero secreto estriba en vincular los temas a la realidad que ya conocemos”, explica. “En el fondo, son los mismos personajes que el público conoce y quiere, y mientras se comporten y actúen de la misma forma en que lo harían en circunstancias normales, permanecerán fieles a su esencia”.
Para ilustrar este punto, Warner se remite a la escena en la que Shrek y Asno por fin se encuentran en el nuevo Muy Muy Lejano. Shrek por fin ha descubierto lo que ha sucedido. “Shrek está en su momento más bajo”, explica Warner. “Vuelve a conectar con Asno y, a pesar del mundo alternativo, uno ve que la esencia de su relación sigue siendo la misma”.
Actuar de la misma manera en nuevos entornos o circunstancias es una cosa, pero cuando llegó el momento de cambiar el aspecto de Asno y de Gato con Botas, el equipo tuvo que replantearse su enfoque en la ejecución de la animación, el aparejamiento y el modelado. “Tuvimos que imaginarnos realmente cómo sería la vida de cada personaje, cómo actuarían si nunca hubieran conocido a Shrek”, explica Mitchell.
Reinventar a Asno presentaba una serie de obstáculos completamente nuevos para el equipo. “Es una línea muy fina, porque uno quiere ser fiel a la personalidad del personaje”, explica Jason Reisig, encargado de la animación de personajes. Para mantener sus personalidades, los realizadores mantuvieron el entusiasmo característico de Asno y la inteligencia y el aspecto astuto de Gato con Botas. El resultado final es ver cómo se muestra ese entusiasmo cuando Asno está al servicio de las brujas y Gato lleva la vida de un minino mimado y gordinflón.
Sin embargo, para el equipo de efectos visuales el nuevo aspecto de Asno y Gato planteaba una serie de nuevos obstáculos. ”Asno presentaba una serie de obstáculos dado que su pelo es ahora un poco más largo”, explica Oliver Finkelde, encargado de los efectos de los personajes. “Dado que el pelo es más largo, teníamos que asegurarnos de que la piel [del modelo] no se superpusiera, así que o bien volvíamos al departamento de animación y les pedíamos que lo ajustaran, o deformábamos en realidad la piel para que hubiera un hueco entre, digamos, la pata y el pecho”. Debido a la cantidad adicional de volumen y pelo de Gato, el equipo se enfrentó a desafíos similares a la hora de aparejar y modelar al felino.
Claro que esos obstáculos también abrieron la puerta para unos cuantos momentos humorísticos. “Gato es un minino grande, gordo y mimado, y uno se pone histérico al verle”, dice Eddie Murphy. “Asno tiene que ayudarle a limpiarse la espalda en una escena, y sólo ver eso ya compensa el precio de la entrada”.
…PRINCESA, OGRA, ESPOSA, MADRE… ¡Y GUERRERA!
Para una princesa que antaño soñó con convertirse en la señora Fiona de Encantador, “Shrek felices para siempre” re-imagina a la ogra convertida en una intrépida líder, decidida a derrocar a Rumpel y conquistar la libertad para todos los ogros.
Muy lejos de la mimada princesa que conocimos en la primera película, Fiona ha cambiado su corona por un cuchillo y un hacha de guerra, y su vestido por un chaleco de cuero y una armadura de combate. Fiona se ha convertido en una fuerza a la que hay que tener en cuenta, y a la que hay que temer.
“Fiona asume su ogreidad en esta película, y esconde su forma humana ante todos los que la rodean”, observa Jason Reisig, encargado de la animación de personajes. “Ha sido golpeada muy duramente por todos los temas que Rumpel ha planteado, y eso a su vez le proporciona su motivación como jefe”.
Para subrayar aún más el cambio de princesa a guerrera, Reisig y su equipo trabajaron diligentemente para añadir sutiles cambios a la manera en que Fiona estaba animada, manteniéndose al mismo tiempo fieles a la esencia del personaje.
“Siempre ha sido una poderosa princesa y en manera alguna una incauta”, dice Reisig. “Pero esto la lleva a un nuevo nivel donde es una guerrera. También tiene que ser Fiona, pero tiene que tener esta clase de estatura y cierta dureza. Nuestra tarea consistió en encontrar el equilibrio adecuado en los movimientos y expresiones dándole un toque duro a su animación sin cambiar a la vez su forma de ser”. Todas esas sutilezas en la animación proporcionaron un buen complemento al aspecto y empuje de un personaje que pasa de ser un noble a ser un guerrero.
Después de pasar años esperando que el amor verdadero la encontrase, Fiona se hizo a la idea de que el amor verdadero no era su destino. Armándose de valor, escapó de la prisión del dragón y volvió a comenzar su vida asumiendo al ogro que llevaba dentro y uniendo a los antaño solitarios y atemorizados ogros que vivían aterrorizados por Rumpelstiltskin. Inspirada por su nueva familia, ahora ha canalizado toda su pasión y energía hacia su trabajo, decidida a derrocar a Rumpel y sus brujas.
“Incluso aunque Fiona se haya olvidado del amor verdadero y haya sido capaz de escapar de la torre, los muros de aquella torre aún siguen rodeando su corazón. Shrek ahora tiene que atravesar esos muros para llegar hasta ella”, dice la productora Gina Shay
“Hay algunos bellos momentos entre Shrek y Fiona en los que intentan comprender por qué es tan intensa su conexión, pero ella no le conoce en este universo alternativo. Son atraídos simplemente por la química”, explica la productora Gina Shay
Uno de los cambios físicos más notables en la princesa Fiona es su peinado. “Su peinado es un personaje en sí mismo”, dice el director Mike Mitchell. Como bien saben muchos en el campo de la animación, ejecutar pelo generado por ordenador es una de las tareas más complicadas de lograr, y la mayoría estará de acuerdo en que el pelo largo no hace sino aumentar la dificultad.
“El pelo de Fiona es uno de los cabellos más largos que hemos animado nunca aquí en DreamWorks”, dice el supervisor de efectos visuales Doug Cooper. “Su pelo no sólo es largo, sino ondulado y rizado, y es difícil crear un cabello ondulado y rizado que resulte creíble”.
Para abordar las onduladas mechas y rizos de Fiona, Cooper recurrió a su equipo de efectos de personajes, dirigido por el supervisor de efectos de personajes Oliver Finkelde
Para lograr los efectos deseados, Finkelde y su equipo trataron el pelo de Fiona como si fuera de verdad otro personaje distinto y crearon un sistema completo e independiente de modelado para los tirabuzones rojizos. Sin embargo, el modelado planteaba sus propios retos, ya que el equipo de efectos de personajes tenía que colaborar estrechamente con el equipo de animación para garantizar que el modelado del pelo y el personaje de Fiona no se superpusieran el uno sobre el otro al moverse.
“Era importante asegurarse de que esos rizos y ondas no se entrometieran entre sí o cortaran otra parte del personaje, como los hombros, el brazo o el cuello”, explica Finkelde. “Todo el equipo hizo un trabajo maravilloso con Fiona, la Princesa Guerrera”, dice el director Mike Mitchell. “No puedo sentirme más orgulloso”.
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Aunque básicamente trabajaban con los mismos personajes de las películas anteriores, el equipo recibió con gusto los cambios. “Parece como si se les estuviera animando por primera vez aunque todos ya les conociéramos”, dice el supervisor de animación Para expandir el mundo de Shrek y de Muy Muy Lejano, la introducción de nuevos ogros parecía una evolución natural a ojos de los realizadores. “En cierto momento, uno tiene que pensar: ‘Tiene que haber algo más que Shrek y Fiona, ¿verdad?’”, dice la productora Teresa Cheng.
En última instancia, el equipo habló sobre quiénes eran los ogros y cuál era su aspecto. “No son tan sofisticados como Shrek”, continúa Cheng. “Él es un ogro domesticado, el que más contacto ha tenido con los humanos”. La producción se decidió finalmente por un diseño que es ligeramente más de ogro en la forma, para ilustrar que Shrek ha evolucionado más.
Cuando Shrek se tropieza con un campamento lleno de ogros, no sólo se da cuenta de que no esta solo en el mundo, sino que también se da cuenta de que es el benjamín de la estirpe de los ogros. Los diseños para el lugarteniente de Fiona evolucionaron hacia una versión más grande, dura y maloliente de Shrek llamado Brogan, a quien da voz Jon Hamm, un recién llegado a la familia Shrek. “Estamos acostumbrados a ver a Shrek como un ogro grande y fornido, y de repente le vemos junto a Brogan y parece su hermano pequeño”, dice Hamm. “¡Ha sido una experiencia apasionante trabajar en la película y estoy entusiasmado por haber formado parte de ella!”
Entre los otros miembros del clan de los ogros se encuentran algunos roba-escenas como: el jefe del campamento, adecuadamente llamado Cookie, a quien presta su voz Craig Robinson, y la chica graciosa Gretched, a quien da voz Jane Lynch. “Cookie está muy orgulloso de su carrito de comidas y, sin desvelar demasiadas cosas, digamos que es una buena idea el que se lo lleve a la batalla”, dice Robinson.
La batalla que están preparando Fiona y su banda de ogros no es otra que contra Rumpelstiltskin y su ejército de brujas. “Las brujas son las secuaces de Rumpel”, explica Cheng. “Tiene dos clases de brujas: brujas de fiesta que se divierten con él en palacio, y brujas de patrulla, que son básicamente las que capturan ogros para Rumpel.
Dándole voz al bando de las brujas están Lake Bell, Kathy Griffin, Mary Kay Place, Kristen Schaal y Meredith Vieira. “En ‘Madagascar 2’ interpreté a una locutora, así que me resultaba algo muy cercano”, dice Vieira. Para “Shrek felices para siempre”, Vieira tuvo que apurar sus dotes interpretativas y desarrollar un personaje diferente a su personalidad, entrando en un mundo con otros actores. “Esto es un poco distinto, y ahora agradezco el proceso de interpretar a otro personaje”.
Además, el cazarrecompensas de Rumpel es el Flautista de Hamelin, cuyas hipnóticas y armoniosas melodías atraen a los ogros fuera de su escondite y les provocan un trance, poniéndoles bajo el control del juglar. “En realidad se trata de una escena bastante elaborada y compleja”, dice Mitchell. “Tuvimos la gran suerte de poder contar con Michael Rooney para que viniera y coreografiara la secuencia de baile para nosotros”.
Por su parte, Rooney trajo consigo unos 30 bailarines con el equipo de diseño y el realizador a mano para que rodasen en video la escena como referencia. “El objetivo era encauzar parte de la trama mediante un número de baile”, dice Rooney, “así que tenemos la música del Flautista de Hamelin sirviendo como vehículo para cumplir los deseos de Rumpel”.
“Y eso es sencillamente lo que hizo Michey “, añade Mitchell. “Le aportó su arte a toda la escena y ésta cuenta una pequeña historia. Comienza con esos ogros siendo atraídos por el Flautista, rodeados y metidos en jaulas. ¡Es la forma más entretenida que he visto de meter a alguien en una jaula!”
…REMODELACIÓN EXTREMA DEL PALACIO…
En muchos sentidos, puede que sea bueno que el rey Harold y la reina Lillian no estén presentes para ver la estridente transformación que sufrió el amado castillo medieval donde vivían cuando Rumpel tomó el control de Muy Muy Lejano. Mediante una remodelación extrema que salió rematadamente mal, Rumpel ha elevado el “mal gusto” hasta niveles desconocidos.
“Ése fue uno de los platós más elaborados de la película”, dice el diseñador de producción Peter Zaslav
Explica Zaslav: “Queríamos alejarnos de la forma tradicional de retratar al villano como muy angular, con todo a su alrededor siendo agudo y afilado. Así que fuimos en la dirección contraria, haciendo redondas todas las formas a su alrededor”.
Una vez dentro del palacio, dorados chillones, blancos brillantes, rojos y lavandas dominan la paleta cromática. El aspecto de Fifí, el ganso mascota de Rumpel, incluso proporciona inspiración para las pautas de decoración de las habitaciones, incluido el salón VIP de Rumpel situado junto a la pista de baile de la discoteca y las muchas alcobas donde las brujas se reúnen para verse, que las vean, hacer fiestas y, sobre todo, bailar.
“Rumpel da muchas fiestas”, dice el director artístico Max Boas
El palacio también sirve de localización para una de las dos secuencias más difíciles visualmente de la película: una adrenalínica escena de Persecución con Escobas, en la que Shrek y Asno son perseguidos por las brujas, y la decisiva batalla final de la película con Shrek, Fiona y un dragón.
…LOS EFECTOS VISUALES…
En la que probablemente será recordada como una de las secuencias más espeluznantes jamás vista en las películas de Shrek, la Persecución con Escobas por el palacio de Rumpel quedará para los anales.
Novato en el vuelo con escobas, Shrek tiene que cabalgar una escoba descontrolada a través del cavernoso palacio mientras le persigue una docena de brujas lanzando calabazas explosivas. Ah, y tiene una escopeta que lleva Asno.
Después de que la secuencia hubiera sido dibujada en viñetas por el equipo de Walt Dohrn, el director Mike Mitchell recurrió a su equipo de diseño y efectos visuales para crear la salvaje secuencia de acontecimientos.
“El trabajo de la cámara es increíblemente dinámico, lo que hace que la escena sea tan eficaz”, dice Doug Cooper, encargado de los efectos visuales. “Rodar en 3D creaba retos relativos a cómo íbamos a iluminar el espacio y a cómo íbamos a integrar a los personajes en el entorno”.
Dado que la escena incluía a Shrek siendo perseguido por más de una docena de brujas disparándole, la secuencia requería una estrecha colaboración entre el departamento de layout/pre-visualización y el equipo de animación de personajes, dirigidos respectivamente por Yong Duk Jhun y Jason Reisig.
Para el equipo, eso significaba utilizar la cámara estereoscópica de la forma más eficaz posible. “Cada plano rodado con la cámara estereoscópica es controlado cuidadosamente por los artistas de layout”, explica Yong Duk Jhun, encargado de layout. “En secuencias de acción complicadas como la Persecución con Escobas, la profundidad de campo en la cámara será menor de lo habitual, porque la distancia estereoscópica real cubrirá el resto de la información sobre la profundidad”.
La mera complejidad de los detalles visuales del propio palacio (un entorno recargado, ostentoso y exagerado) podría haber perjudicado a la secuencia de acción, pero en vez de eso, el equipo de efectos visuales utilizó los detalles para complementar los planos de acción.
Colaborando con el director artístico Max Boas y el diseñador de producción Peter Zaslav, el equipo de efectos visuales se recreó en los detalles del palacio para que los espectadores pudieran leer lo que ocurría en la escena entre los personajes. El equipo pasó horas tomando los ricos y detallados interiores del palacio y organizándolos visualmente para que todos los movimientos que tenían lugar por los corredores y salones tuvieran sentido para los espectadores.
El enfrentamiento final entre el Ejército de Ogros y Rumpel y sus brujas fue una de las escenas técnicamente más complejas y difíciles de animar, si no la que más. Con cientos de ogros portando hachas, cadenas y escudos, y brujas volando por el palacio y lanzando calabazas explosivas, el equipo de efectos visuales metió la directa. “La escala de complejidad de la secuencia de la batalla final es enorme”, dice Alex Ongaro, encargado de efectos visuales.
En el centro de la batalla se encuentra la nueva y reluciente bola de discoteca que Rumpel instala sobre la pista de baile. Lo que él no sabe es que en realidad es un “caballo de Troya”, que oculta a cientos de ogros armados y listos para el combate. A una señal de Asno y Gato, los rectángulos plateados de la bola se separan, revelando al ejército verde y su armamento. La aparición de los ogros resultó ser una escena enormemente complicada de ejecutar, y requirió una estrecha colaboración entre los equipos de efectos visuales y de animación.
“Hay unos personajes que tienen que apiñarse con sus escudos para formar una bola”, explica Doug Cooper, encargado de los efectos visuales. Para lograr una imagen creíble, el equipo de efectos orquestó la coreografía del comienzo de la escena, una tarea de la que normalmente se encarga el equipo de animación. “El equipo de efectos hizo que la explosión pareciera como si la bola se rompiera, empujada por los ogros”, dice Jason Reisig, encargado de la animación de personajes. Una vez libres de la bola de discoteca, el equipo de Reisig tomó el mando. “Creamos ciclos de animación que podíamos aplicar a los escudos de los ogros y que luego seguirían los ogros. Entonces se lo pasamos a nuestro equipo de animación de multitudes”, añade. El toma y daca entre los dos departamentos produjo una sobrecogedora escena maestra de los efectos visuales y la animación.
…Y VIVIERON FELICES PARA SIEMPRE…
Así se completa la trayectoria de un ogro verde que empezó en 1995, cuando Jeffrey Katzenberg y su equipo de DreamWorks Animation comenzaron el proceso de desarrollo para llevar por primera vez a la gran pantalla el cuento de hadas reconstruido de William Steig. Después de cuatro largometrajes, un Óscar a la mejor película de animación, dos especiales de televisión (uno aún en fase de desarrollo), un musical de Broadway, parques temáticos de atracciones y numerosos premios en el campo de la animación y los efectos visuales, Shrek se ha convertido en un icono mundial querido por millones de personas.
“El legado de esta película (y de todas las películas) es realmente extraordinario”, observa Cameron Diaz. “Lo que han conseguido Shrek, Asno, Fiona, el Gato y todos ellos, y lo que le han dado al público, es algo de lo que todos estamos muy orgullosos, y estoy orgullosa de haber formado parte de esta trayectoria”.
En un reto definitivo para el capítulo final de la serie de películas de Shrek, éste tiene que salvar una vez más a Muy Muy Lejano, conquistar el corazón de la princesa Fiona, y demostrar que es merecedor del Beso de Amor Verdadero. Sólo entonces podrá salvarse a sí mismo y regresar a su viejo y familiar mundo y a su vida normal. Al hacerlo, Shrek se reconcilia con la vida que brevemente ha dejado atrás, y al volver a elegirla llega a estar realmente dispuesto y deseoso y a ser capaz de vivir su auténtico ‘Felices para siempre’.
Acerca del reparto
MIKE MYERS (Shrek) es uno de los actores más polifacéticos de su generación, y ha dado vida a un montón de personajes memorables tanto en cine como en televisión. Como escritor, productor y actor, Myers es más conocido por ser la fuerza creativa que hay detrás de las películas de “Austin Powers” y por haber prestado su voz a las cuatro películas de “Shrek”. Últimamente ha aparecido en “Malditos bastardos”.
Nacido y criado en Toronto, Canadá, Myers comenzó su carrera profesional el mismo día en que se graduó en el instituto. Mike hizo los exámenes finales a las nueve de la mañana, realizó una prueba para la famosa compañía cómica Second City a mediodía, y fue contratado a las tres de la tarde. Eso hizo que finalmente fuera contratado por la Second City Troupe de Chicago, una asociación que cambiaría su vida para siempre. El descubrimiento de Myers en Second City por Lorne Michaels, productor de “Saturday Night Live”, llevó a su debut oficial como actor y escritor en ese programa en 1989.
Por su innovador trabajo en “Saturday Night Live”, Myers fue nominado a un Emmy en la categoría de mejor interpretación en un programa de variedades o de comedia. Entre los personajes que Myers popularizó actuando en SNL están: Dieter, el presentador alemán de programas de tertulia, Linda Richman en “Charlas de café”, el hiperactivo e hipoglucémico Phillip, Simon, el chico de la bañera, y su legendaria caracterización como el icono del rock Mick Jagger.
Myers llevó con gran éxito a la gran pantalla a su personaje en SNL Wayne Campbell en “El mundo de Wayne”, que también escribió. La película batió récords de taquilla y recaudó más de 200 millones de dólares. En 1993, retomó el papel de Wayne Campbell en la exitosa secuela “El mundo de Wayne 2”, que también escribió Myers. Entre los estrenos de “El mundo de Wayne”, Myers protagonizó “Una novia sin igual”, una comedia romántica (en la que también interpretaba a su propio padre). En 1998, apareció en el drama coral de Miramax “Studio 54”, protagonizada por Ryan Phillippe, Salma Hayek, Neve Campbell y Sela Ward, recibiendo el aplauso de la crítica por su interpretación de Steve Rubell, el propietario del club.
En 1997, Myers creó, escribió, produjo y protagonizó la supertaquillera “Austin Powers: Misterioso agente internacional”. El retrato que Myers hizo de Austin Powers, un fotógrafo de moda/libertino/espía congelado criogénicamente en los años sesenta y que es descongelado en los noventa para recuperar su “mollete” y capturar a su diabólico enemigo el doctor Evil (interpretado también por Myers), tuvo un enorme impacto en la cultura popular, produciendo dos secuelas. “Austin Powers: La espía que me achuchó” (1999) presentó a Mini-mí al mundo. En el fin de semana de su estreno, la película recaudó más dinero que la de “Austin Powers” durante todo el tiempo de su exhibición en los cines de EEUU. La película obtuvo numerosos premios, entre ellos varios premios MTV, un premio People's Choice, un premio Blockbuster Entertainment y un Grammy. El propio Myers recibió un premio American Comedy al actor más gracioso en una película por su papel en el film. Con una recaudación mundial de más de 300 millones de dólares, “Austin Powers en Miembro de Oro” batió a sus dos predecesoras, convirtiéndose en la única tercera parte de una comedia en conseguirlo. La saga de “Austin Powers” ha recaudado en total casi mil millones de dólares, lo que la convierte en la saga cómica más taquillera de todos los tiempos.
Myers recibió una estrella en el paseo de la Fama de Hollywood en julio de 2002 por el conjunto de su impresionante obra. Fue también distinguido con el premio Jack Benny otorgado por los estudiantes de la Universidad de California, así como con el premio AFI Star del Comedy Arts Festival de EEUU en 2003.
CAMERON DIAZ (Fiona) realizó su debut cinematográfico a los 21 años, cautivando a los espectadores como la mujer fatal Tina Carlisle en “La Máscara”. Además de convertirse en uno de los grandes éxitos de Jim Carrey, “La Máscara” se distinguió por ser la película que lanzó la carrera de Cameron Diaz en largometrajes.
A continuación de “La Máscara”, Cameron eligió una pequeña película independiente, “La última cena”, con un director debutante en el largometraje. Esa comedia negra, estrenada por Sony Pictures Entertainment, le dio a Cameron la oportunidad de interpretar a una condescendiente y liberal estudiante recién graduada junto a un reparto coral con grandes talentos entre los que se encontraban Annabeth Gish, Ron Eldard, Jonathan Penner y Courtney B. Vance.
Su tercer largometraje fue una poco convencional comedia del escritor y director Steven Baigelman, “Luna sin miel”, que Cameron coprotagonizó junto a Keanu Reeves y Vincent D’Onofrio, interpretando a una novia de clase baja que se enamora de su cuñado. A continuación interpretó a una neoyorquina fría y manipuladora en la esperadísima continuación de la célebre película de Edward Burns “Los hermanos McMullen”, una comedia romántica llamada “Ella es única” que, una vez más, escribió, dirigió y protagonizó Burns.
En 1996, Cameron fue nombrada en ShoWest Mejor Actriz del Mañana por la Asociación Nacional de Propietarios de Cines de EEUU. La primera película de Cameron en unos grandes estudios desde “La Máscara”, “La boda de mi mejor amigo”, se convirtió en uno de los mayores éxitos del verano de 1997 y en una de las 10 películas más taquilleras del año.
Interpretando junto a Julia Roberts, Dermot Mulroney y Rupert Everett el papel de una joven y dulce debutante en la víspera del día de su boda, “La boda de mi mejor amigo” le dio a Cameron la oportunidad de mostrar otra faceta más de su gran talento, cautivando los corazones de los críticos y el público. Su actuación le valió el premio Blockbuster Entertainment a la mejor actriz de reparto en una comedia, votada en todo el mundo por más de 11 millones de clientes de la cadena de videoclubes Blockbuster Video.
En “Una historia diferente” (de otro joven realizador de gran talento, el director Danny Boyle de las famosas “Trainspotting” y “Slumdog Millionaire”), Cameron fue la protagonista junto a Ewan McGregor, interpretando a una chica rica malcriada e infeliz que se enamora del conserje que accidentalmente la secuestra.
Por su interpretación en el papel protagonista de la comedia romántica “Algo pasa con Mary”, Cameron recibió el premio a la mejor actriz del Círculo de Críticos Cinematográficos de Nueva York, además de una nominación al Globo de Oro, el premio American Comedy, el premio Blockbuster Entertainment a la mejor actriz cinematográfica y el premio MTV Movie a la mejor interpretación femenina. Dirigida por Peter y Bobby Farrelly, esa película de 20th Century Fox se estrenó con gran éxito mundial de taquilla en julio de 1998, y también batió récords en su posterior lanzamiento en video y DVD.
Tras la comedia oscura “Very bad things”, escrita y dirigida por el cineasta y actor Peter Berg y protagonizada por Christian Slater, Cameron protagonizó “Cómo ser John Malkovich” junto a John Cusack, Catherine Keener y John Malkovich. Dirigida por el nominado a un Óscar Spike Jonze, la película cautivó la imaginación de los espectadores de todo el mundo, y la interpretación de Cameron fue nominada a un Globo de Oro, el premio de la Asociación de Actores Cinematográficos y un premio BAFTA, mientras la película obtenía numerosas nominaciones y otros premios para el film, el reparto y los realizadores. Los críticos ensalzaron la película y las interpretaciones, incluido el retrato que hizo Cameron de Lotte, que fue descrito por un crítico como “una interpretación tan sutil y coherente que, aunque uno sea un fan, puede pasarse la mayor parte de la película sin reconocerla”.
Su carrera continuó con la versión cinematográfica de Sony Pictures de la serie de televisión de los años setenta “Los Ángeles de Charlie”, junto a Drew Barrymore, Lucy Liu y Bill Murray, que batió en EEUU el récord de recaudación en un fin de semana no navideño y llegó a recaudar más de 265 millones de dólares en todo el mundo. “Los Ángeles” ganó un premio Blockbuster Entertainment y fueron elegidos Mejor Equipo de Acción, y Cameron fue elegida como mejor secuencia de baile en los premios MTV Movie de 2001, votada por los espectadores de MTV. La continuación de la película, “Los Ángeles de Charlie: Al límite”, se estrenó en 2003 y recaudó más de 250 millones de dólares en todo el mundo.
Cameron se crió en el sur de California y su árbol genealógico incluye antepasados cubanos, alemanes e indios norteamericanos.
EDDIE MURPHY (Asno) es el actor afroamericano con mayor éxito comercial en la historia de la industria cinematográfica, y es uno de los cinco actores más taquilleros. A la tierna edad de 45 años, Murphy está en la muy reducida lista de actores que han protagonizado múltiples películas de 100 millones de dólares en las tres últimas décadas, desde “Superdetective en Hollywood” hasta “Papá canguro”. Murphy ganó un premio Annie y obtuvo sendas nominaciones al premio BAFTA y MTV Movie por su interpretación en la primera “Shrek”.
Murphy comenzó su carrera haciendo monólogos cómicos hace 25 años. En 1980, con 19 años de edad, se unió al elenco de “Saturday Night Live”, y desde entonces ha ido consolidando una exitosa carrera en la gran pantalla.
Sus películas están entre las comedias más taquilleras de la historia del cine, incluyendo “Límite 48 horas”, “Entre pillos anda el juego”, “Doctor Dolittle”, “El príncipe de Zamunda” y la saga de “Superdetective en Hollywood”. Murphy obtuvo nominaciones al Globo de Oro al mejor actor en una comedia por sus interpretaciones en “Superdetective en Hollywood”, “Entre pillos anda el juego” y “Límite 48 horas”.
En 1989, Murphy realizó su debut como director con “Noches de Harlem”, una comedia de época que también escribió y protagonizó junto a Richard Pryor y Redd Foxx. Además, Murphy produjo y protagonizó la exitosa comedia “Life”, coprotagonizada por Martin Lawrence, y protagonizó junto a Steve Martin la comedia “Bowfinger, el pícaro”.
En 1996, Murphy interpretó a siete personajes diferentes en el supertaquillazo mundial “El profesor chiflado”, por la que recibió otra nominación al Globo de Oro. Añadió otro personaje hasta interpretar a un total de ocho en la continuación, “El profesor chiflado 2: La familia Klump”, coprotagonizada por Janet Jackson. Sus títulos de crédito adicionales incluyen “Doctor Dolittle 2”, “Papá canguro” y “La mansión encantada”.
En 2007, Murphy obtuvo encendidos elogios y fabulosas críticas por su interpretación de James “Thunder” Early en la película de DreamWorks “Dreamgirls”, una interpretación que le valdría el Globo de Oro, sendos premios del S.A.G. y de la Asociación de Críticos Cinematográficos al mejor actor de reparto en un largometraje, así como su primera nominación al Óscar en dicha categoría.
Desde su presentación en el cine norteamericano con los Reyes del Mambo, ANTONIO BANDERAS (Gato con Botas) es sin duda uno de los principales actores internacionales de su generación. Ha recibido elogios de la crítica por su trabajo en cine, televisión y teatro, así como detrás de las cámaras como director de largometrajes. En 2005, fue distinguido con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.
Realizó su debut como director con “Locos en Alabama”, protagonizada por su mujer Melanie Griffith. La voz de Banderas se escuchó por primera vez en las películas de Shrek como el encantador Gato con Botas en “Shrek 2”.
En 2003, Banderas consiguió una nominación al Tony al mejor actor en un musical por su debut en la producción de la compañía Roundabout Theater de “Nine”, un musical inspirado en la película de Fellini “8 ½”. Recibió también un premio Drama Desk al mejor actor, el premio del Outer Critics Circle, el premio Drama League y el Theatre World. “Nine” estaba dirigida por David Leveaux y coprotagonizada por Chita Rivera.
Banderas ha trabajado con algunos de los principales directores y actores de Hollywood, entre ellos Robert Rodriquez en “Desperado” junto a Salma Hayek y su continuación “Érase una vez en México” junto a Johny Depp, “Pecado original” junto a Angelina Jolie, “Evita” de Alan Parker junto a Madonna, en la que recibió su primera nominación al Globo de Oro al mejor actor, la película de Martin Campbell “La máscara del Zorro” junto a Catherine Zeta-Jones, en la que recibió su segunda nominación al Globo de Oro al mejor actor, y su continuación “La leyenda del Zorro”, la película de Neil Jordan “Entrevista con un vampiro” junto a Tom Cruise y Brad Pitt, la película de Jonathan Demme “Filadelfia” junto a Tom Hanks y Denzel Washington, la película de Bille August “La casa de los espíritus” con Meryl Streep y Glenn Close, y la película de Brian de Palma “Femme Fatale”.
Sus otros títulos de crédito incluyen “Déjate llevar”, la trilogía de “Spy kids”, “Rapsodia en Miami”, “Cuatro habitaciones”, “Assassins”, “Nunca hables con extraños”, “Two much”, “El guerrero número 13”, “Jugando a tope” y “Ballistic: Ecks vs. Sever”.
En 1982, Banderas fue incluido por el escritor y director Pedro Almodóvar en el reparto de “Laberinto de pasiones”. Sería la primera de las cinco películas que Banderas hizo con Almodóvar, siendo las otras “Matador”, “La ley del deseo”, “Mujeres al borde de un ataque de nervios” y “Átame”.
Nacido en Málaga, Banderas asistió a la Escuela de Arte Dramático de su ciudad, y tras graduarse comenzó su carrera trabajando en una pequeña compañía de teatro con base allí. Más tarde se mudó a Madrid y se convirtió en un miembro del elenco de la prestigiosa Compañía Nacional de Teatro.
Aunque WALT DOHRN (Rumpelstiltskin/Encargado del Argumento) había prestado su voz a diversos personajes pequeños en dos películas anteriores de Shrek, “Shrek felices para siempre” marca su debut como doblador en un papel protagonista, dando vida al taimado villano Rumpelstiltskin. Perfeccionar la interpretación del personaje fue algo natural para Dohrn, pues ejercía adicionalmente de encargado del argumento de la película. Desde ese puesto, Dohrn fue el responsable de supervisar el desarrollo del argumento de la película, colaborando estrechamente con el director Mike Mitchell y un equipo de artistas.
Anteriormente, Dohrn contribuyó a elaborar el argumento de “Shrek Tercero”. Su unió a DreamWorks Animation en 2002 y trabajó en la elaboración del argumento de la taquillera película “Madagascar”. Además, Dohrn escribió la letra de las canciones “Final Showdown” (“Shrek Tercero”) y “Canción del Hada Madrina” (“Shrek 2”).
Antes de unirse a DreamWorks Animation, trabajó como dibujante y escritor de guiones gráficos. Sus títulos de crédito incluyen “Bob Esponja: La película” y “El laboratorio de Dexter”, que tuvieron gran éxito de público.
Dohrn está graduado por Cal Arts.
JON HAMM (Brogan) protagoniza como ‘Don Draper’ la premiada y elogiada serie original de AMC “Mad Men”, creada por Matt Weiner y que trata acerca de las vidas profesionales, las costumbres sociales y las hazañas sexuales de unos ejecutivos publicitarios de Madison Avenue hacia 1960. Hamm ganó en 2008 el Globo de Oro al mejor actor en una serie dramática, y ha sido nominado al Emmy y al SAG, entre las muchas distinciones que ha recibido por su actuación en la serie.
Próximamente aparecerá como protagonista en “The Town”, dirigida por Ben Affleck y protagonizada por Affleck, Rebecca Hall, Jeremy Renner y Blake Lively. Otras películas suyas de inminente estreno son “Sucker Punch” de Zack Snyder con Abbie Cornish, Emily Browning y Vanessa Hudgens, y la película independiente “Aullido”, protagonizada por James Franco, sobre el poeta Allen Ginsberg, y que se estrenó en el festival de Sundance de 2010. Sus títulos de crédito adicionales incluyen “El día que la Tierra se paró” con Keanu Reeves y Jennifer Connelly, la película independiente “Stolen” con Josh Lucas, la exitosa película independiente “Besando a Jessica Stein”, “Cuando éramos soldados” con Mel Gibson, y “Space Cowboys” con Clint Eastwood.
Hamm consiguió una nominación al Emmy al mejor artista invitado en una serie cómica por la premiada comedia “Rockefeller Plaza”. Sus otros títulos de crédito en televisión incluyen dos aclamadas apariciones como presentador en “Saturday Night Live”, la popular serie de Lifetime “The division”, así como “¿Qué pasa con Brian?”, “The Unit”, "Numb3rs" y "CSI Miami”, entre otras. Consiguió su primer papel importante en la serie de NBC “Providence”, en la que un cameo suyo se convirtió en una actuación en 18 episodios.
Hamm se doctoró en lengua inglesa por la Universidad de Missouri-Columbia.
JANE LYNCH (Gretched) comenzó en el teatro con las compañías The Second City, Steppenwolf Theatre y en muchos sótanos parroquiales del área urbana de Chicago, lo cual le ayudó a convertirse en la actriz cómica de gran talento que es actualmente.
Lynch aparece actualmente en la serie de televisión de Ryan Murphy “Glee”, de FOX, ganadora de un Globo de Oro y un premio SAG, interpretando a la ingeniosa profesora de canto Sue Sylvester. Con su magnífico instinto para la comedia, ha obtenido una nominación al Globo de Oro a la mejor actriz de reparto por su interpretación de Sue Sylvester en “Glee”. Algunos de sus otros títulos de crédito recientes en televisión incluyen la serie de STARZ “Party Down”, la serie original de Lifetime “Agencia Lovespring”, “Mujeres desesperadas” y “Weeds”, así como la última temporada de “The L Word” junto a Cybill Shepherd. Tiene papeles recurrentes en “Dos hombres y medio”, “Mentes criminales” y “Las aventuras de Christine”.
Cuenta también con una larga lista de títulos de crédito cinematográficos donde demostró su talento, que se pueden ver en la película de inminente estreno “Paul”. Sus anteriores trabajos en cine incluyen “Julie y Julia”, “The Post Grad Survival Guide”, “Brownie Masters”, las películas de Christopher Guest “For Your Consideration”, “A Mighty Wind” y “Very Important Perros”, así como “Mal ejemplo”, “Un rockero de pelotas”, “Unas locas vacaciones”, “Dewey Cox: una vida larga y dura”, “Pasado de vueltas”, “Virgen a los 40”, la película de Margaret Cho “Celeste y Bam Bam”, la película de Alan Cumming “Suffering Man's Charity”, “Una serie de catastróficas desdichas de Lemony Snicket”, “Sleepover”, “Surviving Eden” y muchas más. Además de en “Shrek felices para siempre”, ha ejercido sus dotes interpretativas en las películas de animación “Ice Age 3: El origen de los dinosaurios”, “Space Chimps: Misión espacial” y “Alvin y las ardillas”.
La obra de Lynch “Oh Sister, My Sister!” se representó en los teatros Tamarind Theatre y Bang Theater, valiéndole el premio LA Weekly Comedy Ensemble del año.
CRAIG ROBINSON (Cookie) aparece actualmente en la serie ganadora de un Emmy “The office”, de NBC, como el áspero Darryl Philbin, trabajador de los almacenes en Dunder-Mifflin. En los últimos años, también ha dejado su huella en el mundo del cine, robando escenas en todos los proyectos donde aparece. Hizo que los espectadores se cuestionaran el concepto de la vanidad interpretando a un sensible guardaespaldas en “Lío embarazoso”, les mantuvo pegados a la butaca como uno de los secuaces que persiguen a los torpes y colocadísimos personajes de Seth Rogen y James Franco en “Superfumados”, y les dejó locos al final de “Fanboys” como el invitado sorpresa que interpreta a un guardia de seguridad de THX en el Rancho Lucas. El próximo año, los fans tendrá por fin la oportunidad de ver Robinson transformando momentos memorables en papeles protagonistas.
Robinson protagonizó la comedia coral “Jacuzzi al pasado” para MGM y el director Steve Pink. Asumiendo un papel drásticamente distinto, Robinson completó recientemente el largometraje independiente “Father of Invention” con Kevin Spacey y Camilla Belle.
Para Robinson es muy importante dar cuerpo a cada elemento de su currículo, apareciendo en un hilarante cameo en “Noche en el museo: La batalla del Smithsonian” como uno de los aviadores Tuskegee, prestando su genio cómico a Danny McBride, compañero suyo y devoto de Apatow, en su serie para HBO “East Bound & Down”, y protagonizando varias comedias que incluyen “Mis Marzo” y “The Goods” con Jeremy Piven. Coprotagonizó “¿Hacemos una porno?” junto a Seth Rogen y Elizabeth Banks y apareció como un predicador en el video en la web en apoyo de los derechos de los gays “Prop 8: The Musical” con Jack Black, John C. Reilly y Neil Patrick Harris.
Comenzando con monólogos cómicos, Robinson se hizo notar por primera vez en el circuito cómico en el festival “Just For Laughs” de Montreal de 1998. Ese mismo año, ganó el premio del Festival de Comedia de Oakland y el Miller Genuine Draft Comedy Search. A continuación actuó en “The Jimmy Kimmel Show” y en “Real Time with Bill Maher
Antes de decidirse a dedicarse de lleno a su carrera como cómico, Robinson era profesor de primaria en la Escuela Pública de Chicago. Consiguió su licenciatura en la Universidad del Estado de Illinois y un master en educación en la Universidad St. Xavier. Mientras se dedicaba a estudiar educación en Chicago, descubrió su pasión por la interpretación y la comedia y se unió a la famosa compañía Second City.
Acerca de los realizadores
MIKE MITCHELL (Director) ha trabajado con DreamWorks Animation desde 1996, realizando el guión gráfico y asesorando en películas como “HormigaZ”, “Shrek 2”, “Kung Fu Panda” y “Monstruos contra Alienígenas”.
Mitchell ha dirigido películas de acción real como “Sky High: Una escuela de altos vuelos”, película de Disney protagonizada por Kurt Russell y Kelly Preston, y “Deuce Bigalow: Male Gigoló” para Touchstone y producida por Adam Sandler. Además, ha dirigido programas piloto para la televisión para las cadenas FOX y ABC.
Los otros trabajos de animación de Mitchell incluyen el de guionista y dibujante para “The Ren and Stimpy Show” y de “Bob Esponja: La película” para Nickelodeon. También colaboró en el guión gráfico de la película de Disney “James y el melocotón gigante”, y en anuncios y videos musicales para cineastas como Spike Jonze.
Mitchell ha recibido numerosos premios por su obra, incluyendo en 1999 el premio Spirit of Slamdance por su cortometraje “Herd”, y el premio Best of Fest del Festival de Cine de Sundance de 1993 por su cortometraje de animación “Frannie’s Christmas”.
GINA SHAY (Productora) últimamente ha producido “Las Navidades con Shrek”, el primer especial navideño original de animación de Shrek que se emitió con una acogida entusiasta en ABC en noviembre de 2007.
Antes de unirse a DreamWorks Animation, Shay ejerció de productora ejecutiva en “Bob Esponja: La película”, y antes de eso, de coproductora en la película de Paramount Pictures y Nickelodeons Movies “Jimmy Neutron: El niño inventor”, primera película de animación por ordenador nominada a un Óscar.
Sus otros títulos de crédito en la producción incluyen “South Park: Más grande, más largo y sin cortes” (gerente de producción), las películas de Disney “La gran aventura de Winnie the Pooh: La búsqueda de Christopher Ronin” y Pocahontas 2: Viaje a un nuevo mundo” (productora asociada). Shay comenzó su carrera profesional en la realización cinematográfica como gerente de producción en el largometraje de Ralph Bakshis para Paramount Pictures “Una rubia entre dos mundos”.
Shay asistió al Pratt Institute of Art de Brooklyn, Nueva York
TERESA CHENG (Productora) tiene más de 20 años de experiencia en la producción en los más importantes estudios cinematográficos y compañías de producción de efectos digitales, así como en la cadena de televisión más grande de Canadá. Últimamente, ha ejercido de productora en “Las Navidades con Shrek”, el primer especial navideño original de animación de Shrek que se emitió con una acogida entusiasta en ABC en noviembre de 2007.
Antes de “Las Navidades con Shrek”, Cheng trabajó como productora en la mini-película animada “The Madagascar Penguins in a Christmas Caper”. Con anterioridad, ocupó el puesto de responsable de producción en PDI/DreamWorks, supervisando todas las labores de producción del estudio a nivel global. También fue gerente de producción en el largometraje animado de DreamWorks Animation “Spirit: El corcel indomable”, nominada a un Óscar.
Antes de unirse a DreamWorks Animation, Cheng produjo efectos visuales para numerosas películas, incluidas la película de acción “Batman y Robin” para Warner Bros., “Batman Forever” y “Ace Ventura II: Operación África” para Rhythm and Hues, y “Mentiras arriesgadas” para Digital Domain. Además, supervisó el primer anuncio de Coca-Cola protagonizado por osos polares generados por ordenador, y un anuncio de televisión para Jeep llamado “Snow covered” (“Cubierto por la nieve”), que ganó un Grand Prix en Cannes.
Cheng comenzó su carrera en el mundo de la televisión como productora y gerente en CBC Televisión, la cadena más grande de Canadá. Tiene una licenciatura en Artes de la Comunicación por la Universidad de Washington.
ARON WARNER (Productor Ejecutivo) recibió el primer Óscar otorgado a una película de animación por producir “Shrek”. Posteriormente, produjo “Shrek 2” y “Shrek Tercero”. Se unió a PDI/DreamWorks en 1997 para ejercer de productor en el gran éxito de animación por ordenador “HormigaZ”, que significó la primera colaboración entre PDI y DreamWorks. Warner fue después jefe de PDI/DreamWorks desde 2000 hasta 2002.
Warner había ocupado previamente el puesto de vicepresidente de producción en Twentieth Century Fox, desde donde supervisó la producción de películas como “Independence Day”, “La tormenta de hielo”, “Las brujas de Salem”, “Alien Resurrection”, “Volcano”, y la película más taquillera de todos los tiempos, “Titanic”.
Graduado en la UCLA Film School, Warner comenzó como coordinador de producción en Empire Pictures, adquiriendo experiencia en películas de terror y ciencia-ficción de bajo presupuesto. Luego consiguió un puesto en Film Finances, una aseguradora de producciones, en donde trabajó en más de 50 películas.
Warner comenzó su carrera como productor en el gran éxito de terror “La muerte de Freddy: La pesadilla final”. Luego ejerció de supervisor de la producción en la película de John Dahl “Conspiración en Red Rock West”, antes de empezar su relación con Twentieth Century Fox como gerente de producción en la película de Rachel Talalay “El chip asesino”. A continuación, fue productor ejecutivo de “La chica del tanque”, dirigida también por Talalay. Además, supervisó la producción del taquillazo de James Cameron “Mentiras arriesgadas”.
ANDREW ADAMSON (Productor Ejecutivo) realizó su debut como director en la oscarizada comedia de animación “Shrek”. Desde entonces, ha seguido concibiendo la historia y ha colaborado en la escritura y la dirección de la continuación, “Shrek 2”, gran éxito de taquilla y nominada a un Óscar. A continuación de “Shrek”, Adamson dirigió la película de acción y aventuras “Las crónicas de Narnia”.
Adamson está actualmente en fase de post-producción de “Las crónicas de Narnia: La travesía del viajero del alba” (productor) y de “El Gato con Botas” (productor ejecutivo).
Su unió a PDI (actualmente PDI/DreamWorks) en 1991 con una sólida formación en efectos visuales. Sus títulos de crédito como supervisor de efectos visuales para PDI/DreamWorks incluyen las películas “Ángeles” y “Double Dragon”. Trabajó también en los efectos visuales de películas como “Mentiras arriesgadas”, “Heart and Souls” y “Toys: Fabricando ilusiones”.
Adamson fue también un miembro clave del área de anuncios de PDI/DreamWorks en numerosos y premiados anuncios, entre ellos el “Planet Kevin” de Converse, “Scrubbing Bubbles Greatest Show” de Dow, y el anuncio de Miller Genuine Draft, “Juke Box”.
Aparte de PDI/DreamWorks, el trabajo de Adamson como supervisor de efectos especiales incluye los largometrajes “Batman forever”, “Tiempo de matar” y “Batman y Robin”. Su trabajo en los efectos visuales de las dos películas de Batman hizo que fuera nominado al Óscar.
Adamson comenzó su carrera en el diseño gráfico por ordenador hace casi 15 años en Auckland, Nueva Zelanda, como animador informático en “The Mouse That Roared”. En 1986, pasó a ocupar el puesto de director de diseño/encargado de animación en Video Images Ltd., en donde trabajó en los logotipos de diversos programas y anuncios de televisión.
JOHN H. WILLIAMS (Productor Ejecutivo) ejerció de productor ejecutivo tanto en la oscarizada comedia de animación “Shrek” como en sus dos supertaquilleras secuelas, “Shrek 2” y “Shrek Tercero”.
Seguidamente, Vanguard produjo anuncios mediante una empresa conjunta con Virgin Records. Entre los directores de los anuncios estaban Tim Pope (la saga de “El cuervo”), los hermanos Quay (“Frida”, “Streets of Crocodiles”), y Reggie Hudlin (“Fiesta en casa”, “El terror de las chicas”). Vanguard también ha producido documentales sobre John F. Kennedy, Aretha Franklin, George Gershwin y la historia del blues.
Los títulos de crédito de Vanguard en la producción de largometrajes incluyen la producción de Miramax del documental de Errol Morris “The Thin Blue Line” con American Playhouse y Channel Four/U.K., “Sarafina”, protagonizada por Whoopi Goldberg, “Siete años en el Tibet”, protagonizada por Brad Pitt, y “El esmoquin”, protagonizada por Jackie Chan.
Williams ejerció también de productor ejecutivo en la producción de Vanguard “Valiant”, el largometraje de animación por ordenador estrenado por Disney y protagonizado por las voces de Ewan McGregor, John Cleese, John Hurt y Jim Broadbent, y el largometraje de animación por ordenador “Space Chimps: Misión espacial”. Actualmente, está en fase de producción de “Space Chimps 2: Zartog contraataca” (productor ejecutivo) y de “Emo Boy” (productor).
JOSH KLAUSNER (Guión) últimamente ha escrito el guión de la comedia de Steve Carrell y Tina Fey “Noche loca”. Mientras estudiaba en la Universidad de Princeton, el escritor Tony Kushner, ganador del premio Pulitzer, fue mentor de Klausner. En el último año de carrera, el corto de Klausner “Season of the Lifterbees” se estrenó en el Festival de Cine de Sundance y llegó a ganar el Gran Premio Time Warner en el Aspen Shortsfest y un premio AMPAS Student Academy al mejor corto dramático.
Consiguió su gran oportunidad al trabajar con los hermanos Farrelly en su primera película, “Dos tontos muy tontos”. Klausner ascendió en el escalafón y se convirtió en director de segunda unidad en “Vaya par de idiotas”, “Algo pasa con Mary”, “Yo, yo mismo e Irene” y “Amor ciego”.
En 2000, Klausner escribió y dirigió “El cuarto piso”, protagonizada por William Hurt, Juliette Lewis, Austin Pendleton y Shelley Duvall.
Klausner está trabajando actualmente en diversos proyectos cinematográficos, entre ellos una adaptación en acción real de “Thomas the Tank Engine” para HiT Entertainment, una adaptación de la novela de Adena Halpern "Los diez mejores días de mi vida” para la productora de Shawn Levy 21 Laps, un proyecto para Mark Waters y Walden Media basado en el mago Harry Houdini, y una colaboración con Sir Paul McCartney para convertir su libro infantil “High in the Clouds” en un largometraje de animación.
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DARREN LEMKE (Guión) recientemente escribió la fantasía épica “Jack the Giant Killer,” que se encuentra actualmente en fase de preproducción a cargo del director Bryan Singer. Tiene varios proyectos en desarrollo, entre ellos “Gemini Man”, “The Nutcracker and the Mouse King” y “Oz”. Sus títulos de crédito anteriores en televisión y video incluyen la película rodada para video “Lost” (como director y guionista) y la película hecha para la televisión “Flashpoint” (guionista, productor ejecutivo).
HARRY GREGSON-WILLIAMS (Música) es uno de los compositores más solicitados de Hollywood, habiendo trabajado en una serie de proyectos de gran envergadura, tanto de animación como de acción real. En los últimos años, Gregson-Williams ha compuesto la banda sonora de algunas de las películas más taquilleras del sector, entre ellas “Shrek Tercero”, “Las crónicas de Narnia: El león, la bruja y el armario” (por la que recibió sendas nominaciones al Globo de Oro y al Emmy), “Shrek” (por la que recibió una nominación al BAFTA), “Shrek 2” y “Chicken Run: Evasión en la granja”. Últimamente ha compuesto la banda sonora del gran éxito de taquilla “X-Men Orígenes: Lobezno”, dirigida por Gavin Hood, y “Asalto al tren Pelham 1 2 3”, dirigida por Tony Scott.
Ha trabajado en varias películas con el director Tony Scott, entre ellas “El fuego de la venganza”, “Domino”, “Juego de espías” y “Déjà vu”. Para el director Joel Schumacher, ha compuesto las bandas sonoras de “Última llamada”, “Veronica Guerin”, “El número 23” y la inminente “Twelve”. Sus otros títulos de crédito incluyen “Adiós pequeña adiós”, que significó el debut como director de Ben Affleck, “Las crónicas de Narnia: El príncipe Caspian”, “Enfrentados”, “El reino de los cielos” (nominada a un premio Classical Brit y ganadora de un premio Golden Satellite), “Bridget Jones: Sobreviviré”, “Enemigo público”, “Asesinos de reemplazo”, “Smila: Misterio en la nieve” y “HormigaZ”.
Nacido en Inglaterra en una familia de músicos, Gregson-Williams obtuvo una beca de la escuela de música del St. John’s College de Cambridge a la edad de siete años. Con trece años de edad, su canto había sido grabado en más de una docena de discos, y posteriormente consiguió un codiciado puesto en la Guildhall School of Music and Drama de Londres. Comenzó su carrera cinematográfica como arreglista y orquestador para el compositor Stanley Myers, y a continuación compuso sus primeras bandas sonoras para el veterano director inglés Nicolas Roeg
Otros proyectos inminentes de Gregson-Williams incluyen la película producida por Jerry Bruckheimer “Prince of Persia: The Sands of Time”, del director Mike Newell para Disney, “The Town” (junto al compositor David Buckley), escrita y dirigida por Ben Affleck, y el thriller dramático “Unstoppable” del director Tony Scott.
NICK FLETCHER, A.C.E. (Montaje) se unió a DreamWorks en 1995 como supervisor del montaje del largometraje animado “El príncipe de Egipto”. Sus títulos de crédito adicionales incluyen Bee Movie”, “El Espantatiburones” y “Spirit: El corcel indomable”.
Antes de unirse a DreamWorks, Fletcher trabajó en Amblimation en Londres, en donde fue el supervisor del montaje de “Fievel y el Nuevo Mundo”. También se encargó del montaje de la animación en “¿Quién engañó a Roger Rabbit?”, y fue co-supervisor del montaje de “Rex, un dinosaurio en Nueva York” y de “Balto”.
Nacido en Gales, Fletcher comenzó su carrera en el John Wood Sound Studios de Londres trabajando en diversos anuncios. Después se marchó a Richard Williams Animation en 1981.
WALT DOHRN (Rumpelstiltskin/Encargado del Argumento). Por favor, véase su biografía en la sección “Acerca del reparto”.
PETER ZASLAV (Director Artístico) se unió a PDI/DreamWorks Animation en 2001 como dibujante de guiones gráficos y pintor de fondos en la división de anuncios del estudio, trabajando en proyectos como los anuncios de alienígenas de Intel. Después, ocupó el puesto de ilustrador de producción en los grandes éxitos de taquilla “Shrek 2” y “Shrek Tercero”. Últimamente, ha sido diseñador de producción del especial navideño de ABC “Las Navidades con Shrek”.
Antes de unirse al estudio, Zaslav era un ilustrador autónomo y un ilustrador de temas médicos en la UCLA Medical School. También creó guiones gráficos y fondos para dos películas de animación y acción real, “This Guy Is Falling” y “Doppelganger”. Peter se graduó en fisiología en la UCLA.
DOUG COOPER (Supervisor de Efectos Visuales) se unió a DreamWorks en 1998 como animador de efectos generados por ordenador y director técnico de “El príncipe de Egipto”, y después fue supervisor digital de “Spirit: El corcel indomable”. Sus títulos de crédito anteriores como supervisor de efectos visuales incluyen “Bee Movie” y “First Flight” (un corto de animación).
Antes de unirse a DreamWorks, Cooper trabajó como planificador de escenas y desarrollador de software para efectos especiales en la película de Amblimation “Balto”. La relación de Cooper con Amblimation comenzó cuando trabajaba como coordinador técnico para American Film Technologies en San Diego en la película “Rex, un dinosaurio en Nueva York”. Cooper trabajó también como asesor para Sidley / Wright Motionworks en Los Ángeles, donde asesoró en el desarrollo de una tinta digital y un sistema de pintura para la producción de películas.
Cooper es miembro de la Visual Effects Society (VES), de ACM/SIGGRAPH, y de ASIFA Hollywood.
JASON REISIG (Encargado de Animación de Personajes) comenzó su carrera en 1996 en PDI/DreamWorks, donde trabajó como animador en “HormigaZ”, “Shrek” y “Madagascar”. Fue nominado a un premio Annie a la mejor animación de personajes por su trabajo en “Shrek”.
Antes de “Shrek felices para siempre”, Reisig fue supervisor de animación en ““Kung Fu Panda”, nominada al Óscar, y en “Vecinos invasores”.
En 2002, Reisig se fue a Sony Pictures Imageworks, donde fue animador de protagonistas en la película de acción real y gran éxito de taquilla “Spiderman 2”, ganadora de un Óscar a los efectos visuales. También trabajó en “Stuart Little 2”, “Una Navidad de locos” y el cortometraje de animación “The ChubbChubbs”.
YONG DUK JHUN (Encargado de Layout, Fotografía) es uno de los artistas con más talento del sector, con una gran cantidad de títulos de crédito en películas de animación. Últimamente, fue artista de layout en “Monstruos contra alienígenas”, así como encargado de layout y fotografía en el gran éxito de taquilla “Kung Fu Panda”, nominada a un Óscar.
Sus títulos de crédito anteriores incluyen “Vecinos invasores” (artista de layout y animática) y “Jonás: Una película de vegetales” (artista de layout).
Jhun está trabajando actualmente en la película de DreamWorks Animations “The Croods” (encargado de layout y fotografía).
MAX BOAS (Director Artístico) comenzó su carrera en DreamWorks Animation en 2003 como artista de layout y pintor de fondos en “Simbad, la leyenda de los Siete Mares”. Antes de “Shrek felices para siempre”, Boas trabajó como artista de desarrollo visual en el gran éxito de taquilla “Kung Fu Panda”, nominada al Óscar. Además, trabajó como artista en “Vecinos invasores”, en donde ayudó a dibujar las localizaciones, a crear ilustraciones de producto y colores clave para el departamento de de iluminación y a diseñar una pléyade de objetos de utillería que se ven en las escenas de los suburbios.
Antes de unirse a DreamWorks Animation, Max estudió ilustración en el Art Center College of Design de Pasadena, California, en donde se graduó con honores en bellas artes en 2002. Antes del Art Center, Max pasó dos años en el Kansas City Art Institute, en donde estudió ilustración y nociones generales de arte.
Max de graduó en el instituto Fairview High School en 1996 en la ciudad de Boulder, Colorado. Nació en Jackson , Mississippi
PHIL “CAPITÁN 3D” McNALLY (Supervisor Estereoscópico) últimamente ha ejercido de supervisor estereoscópico en la película de DreamWorks “Cómo entrenar a tu dragón”. Considerado un experto en todo lo relativo al 3D, McNally se inició en la fotografía estereoscópica en 1990 mientras estudiaba en el Royal College of Art de Londres. Ese hobby pronto se convirtió en su pasión, y a lo largo de los años diseñó una serie de proyectos creativos, desde promociones de Viewmaster hasta instalaciones en galerías.
En 2001 McNally se mudó a California para trabajar como animador en Industrial Light & Magic tras el éxito de su corto de animación “Pump-Action”. Su experiencia estereoscópica se vio recompensada cuando Disney encargó en 2005 a ILM que convirtiese “Chicken Little” en imágenes en 3D. Desde entonces, McNally ha supervisado el trabajo estereoscópico en la película de Disney “Descubriendo a los Robinsons” y asesorado en la conversión a 3D de “Pesadilla antes de Navidad”. Actualmente, está trabajando de supervisor estereoscópico en “Megamind”, inminente estreno para el otoño de 2010 de DreamWorks Animation.
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